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山水画写生与创作

一、山水画写生 (一)绪言 中国画的山水写生主要是用毛笔直接对景写生,此外还有速写、默写等写生形式。 由于写生…

一、山水画写生

(一)绪言

中国画的山水写生主要是用毛笔直接对景写生,此外还有速写、默写等写生形式。

由于写生的方法是相对直观、如实地感受和描绘对象,因此山水写生使山水画更加贴近现实、贴近生活。如李可染的作品《写生》(见右下图)使古代文人画家远离现实、无人间烟火的意境追求回到现实之中。

山水画写生与创作

古代的画家是很注重观察生活和收集素材的。他们将生活中的素材经过提炼,概括成为一种艺术形象用于创作中。比如黄公望画的《富春山居图》是有具体地点的,但和富春江沿岸景色不完全一致。作者画的是他心目中的富春江,是现实和理想的结合。

五代画家荆浩比较早地提出了“图真”的概念。他说:“似者,得其形,遗其气。”又说:“真者,气质俱盛。”也就是说,得到表面的形态不是“真”,要得到物体的生命、精神。而南朝宋宗炳提出了“澄怀观道”。那时,山水画所追求的不是事物的形式美,不是眼睛看到的自然,而是透过自然的物体表象去把握事物的本体和生命。

中国画的学习,有两项主要的基础:临摹、写生。临摹是继承传统,学习前人的经验;写生是学习、感受大自然,在大自然中发现、寻找创作的内容和灵感,发现别人没有发现的世界,寻找内容和形式的最佳结合点。任何事物都有可变因素和不变因素。可变因素使事物发展,不变因素使事物得以稳定。而山水画写生,正是山水画这个系统中的可变因素。它将在很大程度上决定着山水画发展的方向、水平、质量和形态。

写生是西方写实绘画最基本的观察方式、学习方法和训练手段,在20世纪初,被当时最先进的知识阶层和革新派作为改造中国画的办法和手段引入中国,并迅速被广泛接受和采用。山水画写生这门课程包含两个传统:中方和西方的写生方法。而洋为中用——或者说中西融合——是山水画写生的主要特色和基本特征。这些年来,我们在不断地努力,试图将两者融为一体;在融合的过程中,始终坚持以中国画的传统为主体,融入西方写实绘画的方法。(1)

崔晓东1953年生于黑龙江齐齐哈尔,祖籍江苏扬州。毕业于中央美术学院中国画系,获硕士学位。现任教于中央美术学院中国画学院,硕士研究生导师。出版有《崔晓东山水画写生技法》《名画家说名画——崔晓东说黄公望》《中国名画家全集•当代卷——崔晓东》等。

(二)山水画写生概述

1.山水画写生的主要形式

(1)毛笔对景写生

毛笔直接对景写生的出现,拉近了山水画和自然的关系,使山水画更加贴近自然、贴近生活。这种方式在很大程度上改变了传统山水画的学习方式、观察方式和表现方式。毛笔对景写生是“外师造化”最重要的手段之一,是作者通过笔墨在大自然中直接完成由自然向画面转换的主要途径,李可染先生称其为“对景创作”。(图一为李可染先生的写生稿)

山水画写生与创作

对景写生对作者的要求比较高,首先要有比较强的造型能力,其次还要有一定的笔墨基础和经验来选景、布置、取舍、概括、提炼。

(2)速写

速写是一种最便捷的写生方式,运用铅笔或钢笔等工具,在短时长内迅速捕捉对象。它要求画者在观察的时候去掉一些不必要的细节,抓住大的感受和最基本的形态。用速写收集素材,加上对自然的感受,将两者结合起来进行创作,可以摆脱大自然的限制和束缚,画者会有更多的发挥余地和想象空间。速写的缺点是有材料的限制、过于概括,不能完全充分地表达对对象的丰富感受。解决的办法是辅以水墨写生或者照片素材,补充这方面的不足。

(3)默写

默写是山水画家收集素材的重要方法,古人称之为“目识心记”。将看见的东西记于心中,这对于一个画家来说是非常重要的基本功。古人讲的“胸中丘壑”、“身即山川而取之”,都是在讲画家通过山水画来表达他对大自然的理解,所以必须事先将山川装入胸中。不管速写或对景写生,都是为了“胸有成竹”。这种默写不管是用写生的方式,还是“目识心记”的方式,都是山水画家最重要的基本功,也是山水画创作必不可少的源泉。这种默写一是平时注意训练,二是长期积累。黄宾虹先生的《黄山写生画稿》(见图二)采用的就是一种默写的形式。

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2.山水画写生的基本方法

(1)写实的方法

写生应循序渐进。初学写生时应尽量以写实为主,锻炼自己表现对象、深入刻画的能力。同时写实也是一种创作方法,这种方法推动了山水画的发展。但是,不管如何写实,总是要有作者自己的选择和取舍,总需提炼概括。因此,所谓的“写实”也是相对的。

(2)提炼概括的方法

提炼概括的方法也可以称作“写意”的方法,是针对“写实”的方法而言的。它要求画家对自然景色做一些主观上的组织、取舍、提炼,去掉一些不必要的内容和细节。黄宾虹的写生将自然对象高度提炼概括,提炼成为洗练的艺术形式。另外,还可以根据需要对表现的内容进行变化和调整。此幅《武陵源山居图》(见图一)是笔者在张家界的写生。作品中的山和房屋原不是在一个视线里。笔者先画完房屋之后,觉得房屋后面的景物不入画,又到另外一个地方,将另一处的山画在作品中,对写生的画面作了重新的组织。

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(3)对景创作

对景创作的特点就是有生活的感受、有生活的原型,根据大自然的元素来创作一幅作品。作品一方面表达自己在生活中的感受,另一方面又不同于生活中的对象,是自己对大自然重新的组织,有更多主观的因素。比如李可染先生在一幅《漓江》(见图二)的画上题道:“余三游漓江,觉江山虽胜,然构图不易,兹以传统以大观小法写之,人在漓江边上终不能见此景也。”

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写生方法是很多、很丰富的,需要在实际的写生实践中根据表现对象的不同而灵活运用。作者既要有扎实的基础,又要培养想象力和创造力。只有这样,才能画出优秀的作品。

(三)山水画写生的主要内容和基本原理

1.中国画的观察方法

(1)对大自然的感受

山水写生是一种综合能力的训练:首先,画家要以自然为师,体会大自然的精神,找到大自然精神和人类精神生活的契合点;其次,画家要对大自然保持一种新鲜的、敏锐的、独特的感受,促进自身想象力和审美意识的提高。

(2)山水画的观察方式

在感受自然的同时,要学会正确的观察方法。中国画的观察方法为“散点透视”,视点是移动的、不确定的。古人有“山形面面看,景色步步移”“远望取其势,近看取其质”的观察方法,就是全面、本质地认识自然、把握自然,而不仅仅是把握眼前看到的、局部的自然。

(3)对自然规律的把握

对自然规律的深刻把握,是一个画家最重要的基本功。画家要在认真研究、理解的基础上学会提炼概括,并把所要表现的对象变化成为一种艺术形象,既贴近生活,又高于生活。笔者的《野山坡写生》(见图一)是研究山石和树木关系的一幅写生作品。笔者在很近的地方观察树木的结构以及树与树之间的关系,同时对复杂的山石关系进行了提炼概括。

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(4)表现对象的选择

在大自然中选择什么样的对象和角度来表现是写生中首先遇到的问题。如何寻找表现对象,是一个认识和发现的过程,也是和大自然交流的过程。首先是景色打动你,之后要考虑它是否适合中国画来表现,最后考量自己是否有把握处理好这样的画面。写生应由浅入深、由简单到复杂。

(5)归纳整理,提炼概括

山水画不是一个写实的艺术形式,作画不能照抄对象,而是要对自己写生的对象进行提炼概括。首先要表达自己的追求和感受,其次要组织画面,最后要对自然形象进行归纳概括。

(6)对大自然的重新发现

艺术的每一次变革,都蕴含着人们对大自然的重新认识。回顾美术史,绘画大师们的很多创造都是在对大自然有了新的感受和发现后产生的。李可染先生将西方的写生方法融入传统山水绘画中。他的作品《枫林暮晚》(见图二)通过表现逆光的山和树,拓宽了中国画的表现领域,建立了现代的观察和写生方法。

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2.山水画写生中的笔墨语言表现

(1)对笔墨语言的把握用毛笔对景写生,要对水墨画的笔墨语言和艺术规律有一定的把握能力和笔墨经验。通过写生,一方面要了解古人在生活中是如何感受自然、提炼概括而后加工成艺术形象的,另一方面还要研究前人将自然形态转化成艺术作品的过程和方法。《乌龙寨写生》(见下图)要表现的山势结构有些像宋人的山水画,遂笔者以宋人的画法写生此图,从而体会前人对自然山川的提炼概括。在山水画写生中,要熟悉、掌握和运用中国画的艺术规律和笔墨技法,做到活学活用,并能将前人的经验和自己的感受相结合,创造性地发展前人的成果。

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(2)山川和笔墨的关系对景写生应处理好山川与笔墨的关系,也就是内容与形式的关系。面对自然山川,要有丰富的感受力和想象力,要学会对对象的把握、提炼和加工,进而把山川变成笔墨,把自然形态变为艺术形态,表现出作品的艺术价值、笔墨价值和审美价值。写生中容易出现的问题是仅仅把笔墨看成一种造型的手段,一味照抄,只强调笔墨,忽视对大自然的感受和表现。山水画写生不能仅仅看像不像,也不能只重形式不顾内容和感受,山川和笔墨的关系是相辅相成的。

(3)感觉与经验的关系写生中要有新鲜、独特的感受。要不断改变自己的观察方法,加强对大自然的感受,摆脱固有习惯的束缚,做到如古人说的“澄怀味象”。写生中容易出现的另一个问题是写生时没有经验和方法。当自己没有方法的时候,可以借鉴前人的笔法、墨法、皴法、章法等;但这种借鉴要根据表现对象的需要,不能生搬硬套。在这个学习过程中,要不断地充实、完善经验和技法,以建立自己的表现手法。写生中可将前人的表现手法和自己的表现手法互为补充。

(四)山水画写生的步骤

1.选景

选景是写生重要的环节之一。选景的原则,首先是选择能打动你的景色。古代画家在选择表现对象时,是选择他心目中的理想,比如宋代郭熙在《林泉高致》中讲:“世之笃论,谓山水有可行者,有可望者,有可游者,有可居者。画凡至此,皆入妙品,但可行可望不如可居可游之为得。何者?观今山川,地占数百里,可游可居之处十无三四,而必取可居可游之品。君子之所以渴慕林泉者,正谓此佳处故也。故画者当以此意造,而鉴者又当以此意穷之。此之谓不失其本意。”

可游可居之地,就是古代文人心目中的理想之地。画家要表现这样的理想,就要寻找、选择这样的地方。在选景的过程中要“饱游饫看”,多观察体会。张仃先生是山水画写生的典范。他擅用焦墨,笔墨苍劲、凝重。他的写生(见下图)表现出了山川的苍茫、博大。

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2.构思与起稿

在确定写生的对象后,要考虑如何画、如何构图、如何安排画面的内容。中国画讲究“意在笔先”。第一,要对描绘的对象进行深入的观察、理解。第二,要考虑画面的处理。这涉及如何选择、提炼、取舍。画家对大自然要有自己的认识、理解以及独特的表现能力。第三,要考虑用什么样的方法处理笔墨。第四,要考虑画面最后完成的效果。在构思的过程中,要发挥自己的想象力和创造性,使画面有神采、有气韵,给人以艺术上、精神上的享受。表现一个大的场面和表现一个局部的山势,在处理方式上是不一样的。画大场面,考虑的是结构形体和环境的关系;而画局部的山川,考虑更多的是形状和笔墨的关系。

起稿时可以用铅笔,也可以直接用毛笔。用铅笔时要轻,可以先打轮廓;用毛笔直接起稿时,既要考虑对象的轮廓,又要考虑用笔及笔墨语言的表现力。画的时候从局部入手,但心中要有画面的整体构图,使局部服从于整体。

3.深入与收拾整理

在深入的过程中,应该注意四个问题。第一,对象的表现要充分,要表达出对象的形状、结构及内在精神。第二,要注意整体及各个部分的相互联系、相互作用,要注意主次关系、对比关系,既要有变化,又要有统一。第三,注意山川和笔墨的关系,既要充分地表达对象,又要表达笔墨语言的相对独立性。第四,作画时要细致、认真,切忌潦草。

最后的整理画面是画作完成的重要环节,古人有“大胆落笔,细心收拾”之言。收拾整理主要是调整画面的关系,包括画面的形体关系、结构关系、空间关系、黑白关系、笔墨关系、色彩关系、虚实关系等。通过调整使画面主题突出、生活气息浓郁、笔墨气韵生动,达到一个完美的画面效果。

4.山水画写生步骤说明

下面以笔者在张家界的写生为例,将写生的步骤介绍—下。

步骤一:先用笔勾出树木、山石的形状、轮廓、结构、质感。勾勒时,要注意山石的勾勒应方硬,树木的勾勒要圆润。还要注意笔墨的干湿、浓淡,用笔的轻重、徐疾。

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步骤二:在勾勒的基础上用比较干的淡墨皴出山石的结构和质感。皴时要顺着物体的方向,可先淡后浓,也可先浓后淡,然后再把山头的树横点一遍,使林木更加郁郁葱葱。点的时候不要重复前笔,两遍之间要错开一点,一般先淡后浓。

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步骤三:继续深入。根据画面的需要,反复皴擦。在皴擦的基础上,用点表现远处的树、石上的苔和树叶。之后用淡墨染云、染山石。染的时候注意用笔,注意墨的干湿。淡墨要润、要灵动。

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步骤四:收拾整理,题款、钤印。

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在写生的过程中,很多的步骤可以灵活把握。其中,选景要注意“意在笔先”的构思原则,在写生深入过程中应注意调整各种关系,写生之余还要在艺术修养、生活阅历、审美品位等方面进行培养、训练和提高。

(五)山水画的形式规律

1.构图规律

(1)构图的方法

构图也称章法,是画面里的布局安排。学习构图分两个方面:一是从画面上研究形式的安排、布局的位置;二是研究构图的一些基本规律,如宾主、开合、虚实、藏露、疏密等。

山水画的布局首先从内容出发,根据内容来经营位置。将画面各个部分和内容安排妥帖,这是构图的重要原则。山水画的构图从大的方面讲叫取势。陆俨少先生形象地提出了五种取势的方法,且用五个字来概括,即“之”

“甲”“由”“则”“须”。清初画家王原祁在构图上提出“龙脉”说,这也是把握画面的一种方法。他在《雨窗漫笔》中讲:“龙脉为画中气势源头,有斜有正,有浑有碎,有断有续,有隐有现,谓之体也。开合从高至下,宾主历然,有时结聚,有时澹荡,峰回路转,云合水分,俱从此出。起伏由近及远,向背分明,有时高耸,有时平修,欹侧照应,山头、山腹、山足,铢两悉称者,谓之用也。”

(2)景物的象征意义

中国的山水画是将自然中的景物经过提炼、概括,变为一种艺术语言,变成一种程式性的符号。这种语言符号带有象征意义,对山水画的内容和布局至关重要,是山水画的重要特征。这些形象符号在作品中可以让人产生想象和联想。

另外,山水本身也具有一定的象征意义。

(3)构图的规律

宾主关系是构图中最重要的问题。北宋山水画家李成在《山水诀》中开篇便讲:“凡画山水:先立宾主之位,次定远近之形,然后穿凿景物,摆布高低。”

虚实关系是绘制一幅画始终要考虑的。实的妙处在于虚的陪衬,虚的空灵在于实的烘托,也就是“虚实相生”。清代笪重光在《画筌》中讲:“山实,虚之以烟霭;山虚,实之以亭台。”古人还认为在处理虚实的关系上,虚处要实,实处要虚(见图)。

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开合关系一是聚散,二是变化,三是分合,四是收放。开合多用于布局。比如一幅立轴山水,画面的下面景物内容较多、较分散,那么上方的山就应该相对集中。如果上方的山也画得很细碎,那么整幅画就散了。故要注意开合。一丛树亦有开合,不能平行均等地摆放,必须要有前后、左右和远近、疏密的变化。

开合关系最明显的是横幅长卷:宾主高下,时紧时散、时隐时现、有断有续、有陡有缓;如不分开合,必难把握。

在绘画中,呼应使画中景物之间相互关联。呼应包括相互之间的形象表情、精神状态以及某些情节的呼应,还包括宾主之间的呼应、虚实之间的呼应、人物之间的呼应、笔墨之间的呼应、色彩之间的呼应、山与山之间的呼应,人与自然之间的呼应、画中景物和画外观者的呼应等。

构图的规律还包括藏与露、繁与简、动与静、方与圆、疏与密、轻与重、刚与柔,以及参差、纵横、强弱、欹正、大小、多少等对立统一的各种关系。山水画创作就是要研究这些关系,进而处理好这些关系。

2.山水画的透视与空间

(1)山水画的观察方法和透视方法

山水画的观察方法与西方绘画的焦点透视不同。中国传统的山水画观察方法不是把视线固定在—个点上,而是“山形面面看,景色步步移”。这种观察方法不受视野的限制,可以在更大的范围内完整地、全面地观察对象。表现对象时也是这样。南朝宋王微在《叙画》中主张:山水画要给人以“望秋云,神飞扬;临春风,思浩荡”的感受,要从“目有所极,所见不周”的视觉局限中解放出来,获取更多的想象力和审美愉悦。

(2)三远法

将中国山水画的透视方法具体化的是北宋郭熙。他在《林泉高致》中提出了“三远法”——“高远”“深远”“平远”。“三远法”是山水画的观察方法和章法的系统归纳,集中体现了山水画空间意识的基本特征和规律。“三远”可以单独表

现其中的一“远”,也可以在一幅画中既有“高远”也有“深远”。也有的作品“三远”兼而有之,这种情况多见于横幅长卷,如王希孟的《千里江山图》。图一为“平远”,图二为“深远”,图三为“高远”。

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山水画的空间观念是在观察自然的基础上加入了中国人的时空观念而创造出来的。它摆脱了自然景物对人的束缚,能给画家更多的想象力和创作空间。

(六)山水画写生作品举例

1.《山乡写生》

《山乡写生》(见图一)是笔者2001年在北京昌平的望宝川创作的。画面表现初春的景象,树叶和小草刚刚发绿,又有往年枯草相杂其中。笔者在作画时强调了对色彩的感受,先勾出外形,然后用墨皴,最后把颜色也像墨一样皴上去。颜色用得比较干,这样能产生一种苍茫之感。

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2.《南天门乡写生长卷》

《南天门乡写生长卷》(图二为作品局部),笔者是从村子外开始画,然后画进村子,最后再从村子里画出去的。这样绘画能表现出村子的全貌。画长卷不仅能锻炼画家的构图能力和组织能力,同时也能培养画家作画时的平和心态。因为画幅比较长,内容比较多,所以不能着急,只能认真地观察、慢慢地画。此幅长卷的皴法多用圆点,其中有范宽豆瓣皴的影子。笔者在此写生之前刚临摹过范宽的《溪山行旅图》,虽然在当时写生的时候没有着意去借鉴,但从作画用笔看,笔者还是不自觉地受到了范宽的影响。

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二、山水画创作

(一)绪论

较高的人格修养和艺术修养,是一个画家应具备的基本素质。人格修养历来被看成是评价一个艺术家艺术成败的重要因素;艺术修养则是创作者对自然、对人生的认识和感悟,有些是先天的,而绝大部分是画家长期学习和积累的结果。

山水画有着悠久的历史,经过历代绘画大师不断发展创造,如今已形成了优秀的绘画传统。我们必须认真研究前人的创作经验和创作成果。只有深刻地把握历史,才有可能把握住现在,进而把握未来。

生活是艺术创作最重要的源泉之一,也是画家创作灵感的主要来源;是作品产生的土壤,也是绘画表现的对象。生活会使作品的内容充实、画家的情感丰富,能为艺术家的创作提供源源不断的营养、灵感和动力。画家必须要有深厚的生活积累,然后“去粗取精”“去伪存真”地表现出来。石鲁创作的《转战陕北》是以毛泽东在解放战争期间转战陕北为题材创作的一幅作品。这幅画将人物画和山水画相结合,通过山川来衬托毛泽东的高瞻远瞩、运筹帷幄。

山水画写生与创作

创作者要有坚实的基本功,包括造型能力、笔墨能力和对画面形式的控制能力。这需要创作者经过长期的、系统的、扎实的训练才能完成。山水画的创作要由浅入深、循序渐进;要在继承传统的基础上,逐渐形成自己的创作方法、创作风格。

社会的发展会使人们的审美趣味、审美感受发生变化,进而影响人们的审美理想。所以,画家一方面要遵循艺术自身的发展规律,另一方面也要关注时代的发展变化。

(二)山水画创作思想的演变和发展

魏晋南北朝时期是中国绘画理论的形成时期。顾恺之提出的“传神”论,对中国绘画史的发展有着重大意义。据记载,中国的山水画产生于魏晋南北朝时期,而且当时已出现专门的山水画论,如顾恺之的《画云台山记》、宗炳的《画山水序》、王微的《叙画》等。

唐代的绘画理论在继承魏晋南北朝传统的基础上更加具体而又丰富,产生了很多影响后来山水画发展的绘画理论和绘画思想。张彦远的《历代名画记》详尽记述了从远古到作者生活年代(约815—约875)的绘画发展、画家的传记及有关资料和作品的鉴藏等,是我国第一部系统的、完整的绘画通史和美学巨作。唐代山水画的一个重要发展就是水墨山水画的出现。水墨是表达古代文人心中追求和理想的手段,是表现宇宙本质的媒介。因此,以用笔为主导的水墨一直是中国画表现语言的核心,也是中国画最主要的特征。

五代至宋代,出现了许多山水画大家,如荆浩、范宽、郭熙等。他们不仅精于绘画,还著述了影响后世的山水画论。郭熙是北宋的重要画家。他对山水画艺术的分析和总结,经其子郭思整理成为《林泉高致》一书。书中总结的山水画透视方法———“高远”“深远”“平远”,是中国画散点透视方法的具体化。

元代是山水画发展变化的重要时期,同时又是继五代、宋之后山水画的又一个辉煌时期。中国画中最重要的一种形态———“文人画”在这个时期出现,并走向成熟。山水画是“文人画”最主要的形式。到了元代,山水画已超过其他形式,成为画坛主要的、占统治地位的画种。

在从宋到元的绘画发展变化过程中,赵孟頫是一个关键性的人物。他是一个承前启后的画家:既是宋代绘画的最好继承者,又是元代绘画的开拓者。他开启的一代文人画新风对后世影响甚大。《鹊华秋色图》(见下图)是赵孟頫42岁辞官回吴兴时送给好友周密的,是他的代表作。

山水画写生与创作

明代影响最大的绘画理论就是董其昌的“南北宗”论。董其昌用佛家禅宗南北派的“顿”“渐”之说来解释、说明山水画的发展、风格流派及创作观念等问题,对后来的画坛产生了很大的影响,同时也影响了人们对中国绘画史的认识方式。

清代山水画的主流和正统是“四王”画派。他们的创作思想直接继承了“元四家”和董其昌的传统,取得了很高的艺术成就。但他们过于强调仿古,而对自然造物的感受方面略有不足。在师古与师造化问题上,石涛的绘画思想最有创造性。他十分反对摹古、仿古,提出了“笔墨当随时代”“搜尽奇峰打草稿”等主张,表现出强烈的创新意识。他借用道家“道生一,一生二,二生三,三生万物”的观念,来说明笔墨的重要性。石涛的思想虽然在当时并没有太大的影响,但到了近现代,他的影响越来越大。直到今天,他的观点仍被频繁引用。

从19世纪后半叶开始,中国发生了剧烈的社会变革,出现了鸦片战争、戊戌变法、辛亥革命、五四运动、抗日战争、新中国成立、社会主义改造、“文化大革命”等等。这些都直接或间接地影响着中国画的命运,以及中国画的绘画功能、创作思想和题材选择。康有为、陈独秀对中国画提出质疑,他们认为要以西方的写实方法改良中国画。之后,徐悲鸿也提出同样的主张,但他的见解比康有为和陈独秀更为理性和现实,且更具可操控性。

新中国的成立标志着文艺进入了一个崭新时期。对中国文艺影响最大的毛泽东文艺思想,决定了后来30年中国画的命运和发展方向。从20世纪50年代初到70年代末,新中国的绘画基本上遵循毛泽东的文艺思想:强调生活、强调为工农兵服务、强调普及和提高相结合,山水画发展出现了一个新局面。张凭先生的《忽报人间曾伏虎》(见左图)是革命现实主义和革命浪漫主义相结合的一个有代表性的创作,是表现广大人民群众在党的领导下推动历史前进的一个象征性的场景,给观众以丰富的想象。这件作品在表现手法、意境处理上有很多的突破,体现了形式为内容服务的创作思想。

山水画写生与创作

(三)山水画的创作方法

1.传统的创作方法

传统的创作方法即以继承为主的方法。这种方法首先是学习前人的创作思想、学习方法、观察方法以及笔墨语言、笔墨技巧、语言程式、基本画法等,然后融入自己对自然、对人生、对艺术的理解,将两方面结合进行创作。《溪山无尽图》(见附图左者)是笔者借鉴宋人笔法创作的一幅作品。在构图、意境上,吸收了宋人的山川气象;在笔墨技法上,借鉴了范宽的皴法。山水画的风格或流派,是以笔法和皴法来划分的。不同的皴法会使画面产生完全不同的效果。这幅作品的内容是笔者自己对山川的感受,是通过借鉴前人的一些方法而表现出来的。

山水画写生与创作

古代画家在对前人的继承方法上千差万别,每人都选取不同的角度,吸收、借鉴的内容也不尽相同:有的专师—人,有的专学一个时期,也有的相对于不同的内容学习不同的方法。黄公望的《仙山图》(见附图右者),画面上所使用的长披麻皴,是直接借鉴巨然的方法。

山水画写生与创作

继承是为了发展。学习前人,第一步是能够学会,第二步是将传统和自己融为一体,第三步是融会贯通。比如巨然在董源的基础上结合北方的自然环境,创造了一种山峦层层叠叠向上的画面形态,并在董源短披麻皴的基础上发展成长披麻皴。黄公望将长披麻皴应用在江南的山水画之中,创造了他自己的山水意境。

山水画是一种不断继承、发展的艺术形式。这种传统的、以继承为主的创作方法,容易出现两个问题:一是学得不深、不透、不精,这样便流于泛泛,没有艺术感染力;二是没有自己独特的感受,这样作品就没有生气,也就是人们批评的“泥古不化”。

2.写生的创作方法

(1)直接写生的方法

直接写生的方法出现于上世纪中叶,主要是受西方绘画的影响,完全不同于古代山水画的写生。这种方法的早期实践者李可染先生将其称为对景创作。因为山水画的对景写生受到工具、材料等条件的限制,无法做到很写实,而且山水画也不是一个完全写实的艺术形式,所以在对景写生时必须对所看到的对象加以提炼、概括、取舍。这其中要有很多的主观处理,包括立意、选景、经营位置等诸多方面的思考,所以写生所经历的也是一个创作的过程,而且写生的作品一般也是一幅比较完整的创作。

(2)写生整理的创作方法

新中国成立后,写生整理成为山水画最主要的创作方法。这种方法强调对生活的感受,拉近了艺术与生活的距离,改变了古代文人画那种远离现实生活、不食人间烟火的意境,给山水画创作带来了一个崭新的形式和时代。写生整理的第一阶段是在生活中选择表现的内容和题材,第二阶段是根据这些资料、素材进行创作构思。写生整理的创作方法主要特征就是在作品中保留比较多的生活感受,有具体的表现对象,甚至有具体的地点,有比较多的直观的东西,更接近生活、接近实际。

法海寺位于北京西郊,始建于明代,内有非常精美的壁画。2005年初春,笔者去法海寺时正逢北京下了一场很大的雪,雪中的寺院庄严、肃穆、宁静。于是笔者根据自己的感受,创作了这幅《北京法海寺》(见图)。

山水画写生与创作

3.传统和写生相结合的方法

在实际的创作过程中,传统功底和对生活的体验都是必不可少的。偏重传统的创作方法是从生活中提炼的,优秀的作品必定有浓郁的生活气息;偏重生活的创作,也一定要有传统的功底,否则一定不会是件好的作品。所以要将传统和生活很好地、有机地结合在一起。传统和生活结合得最好的是宋人的山水画创作,其中最具代表性的人物是范宽。

(四)山水画的创作过程

(1)构思

创作构思,古人称之为立意,有“意在笔先”之说。其中包括作品的主题,表现的内容、题材,作品的形式、技法、表现手段及作品要达到的效果等。

山水画写生与创作

主题是一幅作品中要表达的思想和追求。在创作过程中,一幅画的主题会随着创作的深入不断地深化,这就必须要有高质量的绘画语言来表现。画面的内容指具体的景物,如具体的黄山、泰山、桂林、秦岭;或者具体的地域、季节,如李可染先生创作的《春雨江南》(见上图);或者具体的环境,如山水、园林、民居等。还有一些不具体的内容,比如想象中的意境,古人称其为“胸中丘壑”。

在确定主题和内容后,作画者要考虑从哪个角度来表现、怎样安排,还要考虑要以哪些为主、哪些为辅。另外,一年四季的景色和感受是不一样的,这些都应该事先想好。同时,我们还要考虑作品的表现方法。一般而言,是内容决定形式,但形式的作用也非常重要。任何艺术形式都有它的特点,要根据形式的承载力和表现力来考虑和修正要表现的内容,做到内容和形式统一。

生活是创作的源泉。深入生活、感受大自然是画家创作灵感最重要的来源之一。画家要寻找到大自然和自己艺术理想的契合点,不断充实作品的构思和内容。

收集创作所需要的素材,首先要寻找最适合表现的内容和角度,寻找最能代表对象特征的典型形象。在创作前期可能还无法确定使用哪些素材,所以要尽量多地进行收集。可以写生或速写一些整体的、完整的场面,也可以收集一些局部的特写。查阅其他画家表现相同或类似题材的创作(包括古今中外),是在继承的基础上有所突破的好方法。同时我们还可以收集一些摄影集,看看摄影家在不同的时长、地点、角度、季节、气候条件下拍摄的内容,这样可以丰富、启发画家的创作构思。

2.创作过程

(1)构图

构图是创作过程中最重要的一个环节,它关系到一幅作品创作思想的表达、内容的表现、画面的效果以及作品带给观者的感受等。它有其自身的规律,也有来自前人的经验,同时又包含着作者自己的审美取向、审美经验、想象力和创造性。构图要向前人学习,了解、掌握其基本规律,同时又要将这些规律和自己所要表现的内容和追求结合起来,做到既不违背规律,又有自己的个性。

构图要反复推敲,可以在正式落笔之前多画一些变体的构图草稿,只要画出大概的经营位置即可,画得太细反而限制了笔墨的自由发挥。如果经验丰富,在创作小幅作品时,可以不画草图直接画正稿,然后在创作过程中不断地修正、充实、完善。《小楼一夜听春雨》

(见图)是笔者平时的练习稿。这种练习可以随手将自己的感受和想法记录下来,是创作的积累。

山水画写生与创作

(2)起稿落墨

画正式作品的时候,可以用木炭条或铅笔先画出轮廓线,然后再落墨;也可以直接用毛笔开始画。如果画中有复杂的建筑物或比例要求比较严谨的内容,可以用细一点的铅笔画出轮廓。山石、树木、云水只需做个记号即可。因为创作过程中笔墨可以表现出意想不到的效果,没有轮廓的限制,可以自由地发挥。

(3)作画的顺序

作画的通常顺序是先画近景,再画中景,最后画远景,由近及远。一幅画中先画最主要的部分,即所谓有“宾主”。古人讲,群山中要有主山,为万山之主;一片树中要有主树,为万树之表。所以先画主要的,其他为客,客体要服从或服务于主体,故主山和主树要先画。如果先画中景,近景有时就不好安排,易发生冲突。当然这只是一般规律,如遇特殊情况,要根据画面需求来处理。另外,从哪里下笔是一个画家的习惯,这是画家在长期的创作过程中养成的,也是由画面的特点决定的,但开始的时候还是应该掌握合理的方法。

(4)笔墨技法的顺序

山水画的落墨顺序一般为勾、皴、擦、点、染。勾是勾勒景物的外轮廓、边缘和结构。勾勒结束后,画面基本内容、位置就确定了。皴法在山水画中被广泛使用,是山水画最主要的技法。它是划分传统山水画风格、流派的重要因素,主要用来表现物体内在的结构、质感、量感等。擦在画面上用得不多,主要是用于表现质感和虚实,加强画面效果。点是山水画中很重要的一部分。它的种类很多,功能和作用也很多:可以表现实的东西,也可以表现虚的东西;可以作为表现物体的构成元素使用,也可以作为形式语言使用。染一般是画面的最后一道工序,可以增强画面效果,起到将画面各个部分统一起来的作用。染的手法很多,也是山水画重要的表现手法。

以上这些只是落墨的一般规律,具体的还要根据自己作品的特点来决定其顺序。

(5)整体与局部

水墨画在作画时要从局部入手,但局部必须服从于整体。所以画局部的时候,不要一次画到位,要留有余地,便于最后调整时再深入、加强。特别是画大画的时候,要经常站得远一点看整体效果。古人说:“远看取其势,近看取其质。”好的作品既可远看,也可近观。

(6)创作心态

第一,要大胆落笔,细心收拾。动笔前一定要做到胸有成竹,落笔的时候要肯定、到位,始终保持一种严谨、认真的创作态度。第二,要保持一个平静的心态。神闲意定,是作画时最佳的一种状态。只有保持这样的状态,才可能画出好的作品。(7)笔墨的标准评价一幅画的笔墨,其最高的标准就是“气韵生动”。“气韵生动”是晋人提出来的,其核心是“气”,亦为精神。古人认为这个标准“千古不移”,直到现在仍没有比这个更具体、生动的标准。如将其具体化可以归纳为:笔墨是活的,所以整幅作品才是有生命的;笔墨是有神采的,故而生动;笔墨是有质量的,能体现作者的情感、品味、学识、修养和功底。具备了这三点才是好的笔墨。

3.题款与印章(1)题款

题款是中国画独有的艺术特色,也是中国画画面的重要组成部分。自宋、元以后,题款逐渐成为画面中不可缺少的内容,从而使中国画形成了以诗、书、画、印为一体的艺术形式。它们不仅丰富了画面的内容,补充、深化了绘画的主题和意境,同时也增加了画面的观赏性,加大了画面的内容含量,提高了绘画的艺术感染力。

中国画的题款,包含“题”与“款”两方面的内容,在画面上题写诗文叫作“题”。“题”的内容体裁分有题画诗、题画记、画跋、画题等。“款”是指作者的姓名、别号、创作年月、创作地点,也有题款写的是作者的籍贯、年月。如果是赠人之作,又需要写上受赠人的姓名、字号、称谓以及请求批评指正等谦词。

题款的种类分为单款、双款、穷款、多款、长款。要根据具体情况斟酌落款。

落款的写法有很多讲究。画家在自己创作的作品上落款,一般用“写”“画”“作”等字,以区别摹古之作;如果作品师取部分前人的笔意或方法,款中往往记写“拟”“师”“仿”“宗”等。在较工细一类的作品或工笔作品中,题款时一般写“画”“制”;而在较写意或大写意的作品中,题款往往写“戏笔”“戏墨”“戏作”等。款前题诗或短文时,题款可用“题”;记载作品创作中有关情况可用“记”;对作品有评论或鉴赏内容时可题“识”;对作品有介绍和评论的内容时可写“跋”。如他人求画,用“某某属”“某某雅属”。画家主动赠画用“赠某某”“为赠”。画家题款常题一些自谦语,如请某某“教正”。如藏画者不善画,可写“清玩”“雅赏”“雅教”等;如有较高的绘画修养,可题“法正”“指教”,等等。

题款的内容包括记载作品的名称、创作年代、作者的署名;记述作品的产生过程、创作过程及其中的感受;记写作者的自我评价、创作心得、作画经历与行踪等;记述和创作有关的画史、画论、画法,借此表述自己的艺术观点和主张;在题跋中评论作品和画家,记载观赏时的情绪、体会和心得、感想,解释作品的内容,包括鉴定作品的真伪。

(2)印章印章又称图章,原是明守信约的表示,大约始于秦代。而用在绘画上,据《历代名画记》记载,最早的是南北朝时期的梁元帝。

在画面上使用印章,先是表示作品的所有权。随着绘画的发展,特别是文人画的兴起和篆刻艺术的不断发展,印章的内容和形式不断丰富,其逐渐成为画面组成必不可少的内容。红颜色的印章既可以加强画面的形式感,又可以起到醒目提神的作用,和水墨形成互补的关系。同时印章又有独立的欣赏价值,能增加画面的欣赏内容,也是绘画鉴定的重要依据。

印章可以分姓名章和闲章两类。姓名章包括姓、名、字、号、籍贯、斋堂、馆舍等,闲章类包括诗、文、字、句、成语、生肖、年代等。印章的钤盖形式有随款类和布局类。随款印又分款尾印、拦腰印、引首印等;布局类印章需根据画面的需要来钤盖,多用闲章。压角章也属于布局印类。董其昌的《江山秋霁图》(见下图),除画家自己钤盖的印章外,还有后世留下的许多鉴藏印。

山水画写生与创作

在使用印章时应注意以下几个问题:一是印章的内容应有助于突出作品的主题,深化作品的意境;二是印章的形式要与作品的风格、题款的风格相统一,不能喧宾夺主;三是印章的艺术水平要高,印泥的质量要好,印面要保持干净;四是印章不宜太大,也不能钤盖太多,要注意相互配合。(完)

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作者: jfssh

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